Autor: marinapvillarreal

Whale, una instalación artística en el Manzanares de Madrid

‘Whale’, una escultura hiperrealista de un cachalote en el Manzanares, que invita a la reflexión sobre el modelo de ciudad en el que queremos vivir y qué papel juegamos en el cuidado del medio ambiente Esta mañana amanecía en el Manzanares de Madrid una ballena varada. Especialistas cuidaban de la criatura y estudiaban su estado mientras la gente que pasaba por allí se paraba sorprendida a valorar si lo que sus ojos veían era real y cómo se había podido producir. Pero la criatura no era real y no había llegado ahí de casualidad. Whale es un proyecto artístico internacional realizado por el colectivo belga Captain Boomer que pone la mirada en el cuidado del medio ambiente activando un caso real de emergencias ante una ballena varada. Una performances en la que la protagonista es una escultura hiperrealista de un cetáceo de más de 15 metros y 1.000 kilos de peso que replica, a escala real, un cachalote macho de 18 años. Londres, Amberes o París han sido las primeras ciudades en las que el …

Cecil Beaton: “La belleza es la palabra más importante del diccionario”

“La belleza es la palabra más importantes del diccionario. Es sinónimo de perfección, esfuerzo, verdad y bondad” decía normalmente Cecil Beaton, uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, reconocido por sus retratos y sus fotografías de guerra, además de por sus escenografías. Cecil Walter Hardy Beaton (14 enero 1904, Londres – 18 enero 1980, Salisbury) o como era conocido, Cecil Beaton fue un gran retratista del siglo XX, por cuyo objetivo pasaron grandes nombres del mundo del cine, la moda, la literatura, miembros de la aristocracia, grandes iconos de la cultura o la política, llegando a convertirse, con solo 30 años, en el retratista preferido del mundo de la moda, del arte y fotógrafo oficial de la familia Windsor. Inició estudios de Historia, Arte y Arquitectura en Cambridge, aunque nunca llegó a finalizarlos, lo que tampoco supuso un bache en su carrera. Su niñera ya le había iniciado en la fotografía unos años antes, y su madre y hermanas ya habían posado para él. No es de extrañar, que su primera fotografía publicada viera …

La fotografía y la moda dialogan en el Museo del Traje

Una sala diáfana, círculos blancos de moqueta impecable delimitando los paneles expositivos, maniquíes vestidos de gala delimitando el espacio, trajes colgando del techo invitando al diálogo… así es la muestra que este año presenta el Museo del Traje en el marco de PHotoESPAÑA 2018. Una exposición que rinde homenaje a la moda española a través de la fotografía internacional. En la línea de las muestras colaborativas del Museo del Traje se encuentra, MODA. El diseño español a través de la fotografía. Las prendas de los diseñadores españoles, pertenecientes a los fondos de la colección del museo, se presentan aquí en un constante diálogo con la fotografía, con los fotógrafos, con el tiempo y con el resto de prendas. La exposición recoge alrededor de ochenta fotografías y una veintena de diseños exclusivos. Autores nacionales e internacionales, autores de imágenes de las cabeceras más importantes: Telva, Elle, Vogue, Harper’s Bazar, etc., han retratado durante años los diseños de grandes creadores españoles. Y es que desde la fusión de arte y moda que propusiera el pionero Fortuny y …

Rinko Kawauchi

En 2001 veían la luz tres publicaciones realizadas por la fotógrafa japonesa Rinko Kawauchi (1972, Prefectura de Shiga, Japón): Utatane, Hanabi y Hanako. Tres volúmenes que suponían el salto internacional de la artista en el mundo de la fotografía y que colocaban su nombre entre los más destacados del momento. Fue en 1997, mientras estudiaba en el Seian College of Art and Design, cuando Kawauchi empezó a mostrar un interés por la fotografía. Aunque sus primeros trabajos se encontraron en el campo de la publicidad, fueron estos tres libros los primeros proyectos reconocidos de la artista japonesa. Con más de 20 publicaciones a sus espaldas es actualmente considerada una de las fotógrafas más importantes de Japón. Su trabajo, realizado siempre con una Rolleiflex de formato 6×6, oscila entre el minimalismo y el preciosismo, abordando casi siempre temas autobiográficos en los que las escenas representadas muestran momentos íntimos de carácter cotidiano de su vida, así como pequeños ritos o tradiciones de su entorno doméstico. La mayoría de sus trabajos ven por primera vez la luz en …

Quién estuviera ahora en Viena

Como informa Agencia EFE, Viena rinde homenaje a uno de sus más célebres hijos: el arquitecto, urbanista y profesor Otto Wagner (1841-1918), cuyas obras, revolucionarias y provocadoras en su época, son hoy hitos del paso del historicismo a la modernidad. “Wagner fue un adelantado a su tiempo que se vio obstaculizado por el espíritu conservador de la Viena de entonces”, dice en una rueda de prensa Andreas Nierhaus, comisario de una exposición que el Museo de Viena dedica al arquitecto con motivo del centenario de su muerte, el 11 de abril de 1918. Exposiciones, simposios, películas, etc., forman parte del programa que Viena ha preparado en el homenaje a Wagner.

Human flow. El tercer documental de Ai Weiwei

Ai Weiwie vuelve al mundo del cine con Human Flow, un documental sobre el problema que viven a diario 65 millones de personas En la pasada edición de la Seminci se presentó el tercer largometraje documental del artista Ai Weiwei: Human Flow (Marea humana), tras su estreno mundial en la Mostra de Venecia y el Festival de Telluride. “El arte tiene que estar vinculado con la política, sin ese vínculo el arte sería superficial” este es uno de los cimientos del arte de Ai Weiwei. Todas sus creaciones van mucho más allá de lo puramente estético buscando adentrarse en la reivindicación, en el mensaje y la comunicación a través del arte. 23 países recorridos, 400 campamentos de refugiados visitados, más de 600 personas entrevistadas y 900 horas de material sacados de países como Afganistán, Grecia, Bangladesh, Alemania, Irak, Kenia, etc., son los números de Human Flow, que se estrenará en 2018 y que afronta el problema que sufren hoy en día 65 millones de personas, de refugiados. Para Ai Weiwei “El silencio de los 65 millones de refugiados …

Nicholas Nixon y el paso del tiempo

Más de doscientas fotografías recorren, hasta el 7 de enero, las dos salas expositivas de la sede Bárbara de Braganza de la Fundación Mapfre realizadas por Nicholas Nixon. Dos centenares de fotografías en las que se pueden ver varias de las series del fotógrafo Nicholas Nixon (Detroit, Míchigan, 1947): desde sus primeros trabajos como estudiante de fotografía en el que los angulos de las ciudades, las carreteras y paisajes atraían la atención de su objetivo, hasta la serie que ha ocupado toda su vida: Las hermanas Brown. La muestra está dividida en series muy diferentes entre sí, formato en el que siempre trabaja Nixon, todas ellas acompañadas de textos explicativos realizados por su comisario Carlos Gollonet, conservador de fotografía de Fundación Mapfre. Como dice Jeffrey Franekel “retrospectivamente, su obra está tan íntimamente entrelazada como las olas en las estela que un barco deja tras de sí”. El contraste entre lo privado y lo íntimo va evolucionando a través de su fotografía como lo hacen sus series en las que poco a poco se acerca de …

Un verano de exposiciones temáticas

A la pata coja, con la boca abierta… los centros culturales abren sus puertas a colecciones y series improvisadas durante el periodo estival. En verano el turismo florece. Los centros culturales y museos se preparan para una temporada en la que aumenta, especialmente en algunas ciudades, las visitas turísitcas. Este año ha habido dos exposiciones que me han llamado especialmente la atención y que no he podido evitar relacionar: A la pata coja, la colección de Eduardo Arroyo que dentro del marco de PHotoEspaña ha estado expuesta en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid; y Con la boca abierta de Cristina García Rodero, una muestra sobre la trayectoria de la artista en el Museo de Teruel. De fotografía son las dos exposiciones, en una hay varios autores, en la otra una sola. Las obras de una tienen un tamaño variado con una tendencia al pequeño formato y la otra se desarrolla en un formato estándar y grande. Son exposiciones totalmente diferentes pero sin embargo la concepción bajo la que se muestran responde a un mismo …

Loving Vicent

En 1948 se estrenaba la primera película sobre el pintor Vicent van Gogh (1853-1890). Un cortometraje realizado por Alain Resnais y protagonizado por Claude Dauphin, que fue premiado con el Oscar al Mejor Cortometraje. Desde entonces han sido varios los directores que se han atrevido con la atormentada vida del pintor. La última producción data de 2010 y fue dirigida por Andrew Hutton y protagonizada por el reconocido actor Benedict Cumberbatch. El próximo otoño se estrena una recreación de la vida del holandés como nunca antes ha visto el cine con Loving Vicent.  “Tan solo podemos hablar a través de la pintura” fueron las últimas palabras que van Gogh escribió a su hermano Teo. En Loving Vicent esto es llevado al extremo: 65.000 fotogramas pintados al óleo por 125 artistas al estilo del holandés reflejan los últimos días del pintor en este largometraje. Una obra dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, quienes han dedicado los últimos siete años de su carrera a Loving Vicent. El protagonista elegido por los cineastas fue un personaje real …

William Eggleston y el color

  En 1935 Agfa desarrollaba su película Agfacolor en Alemania al tiempo que Kodak presentaba su clásica Kodakchrome que tuvo su auge en la década de 1960. Fue en esos avanzados años 30 cuando la fotografía en color se convirtió en un fenómeno de masas. Una fotografía asociada por entonces a lo comercial y a los aficionados, mientras que la fotografía en blanco y negro era el medio de reflejar la realidad, y por ende, de hacer arte. A mediados del siglo XX la fotografía en color capturaba la falsedad de las cosas y emociones. Era rechazada por los grandes artistas y utilizada principalmente en el campo publicitario. William Eggleston (1939, Memphis, Tenessee) seguido de las corrientes que se estaban desarrollando comenzó trabajando con la fotografía monocromática. Por entonces eran destacadas las figuras de Ansel Adams o Edward Weston. Y en esa primera etapa Eggleston demostraba tener unas inquietudes diferentes a las marcadas por lo considerado común: “Las fotografías de gente como Adams no me interesaban. Y lo que llamábamos fotoperiosimo, las fotos que se …

Matteo Mariotti interviene CentroCentro Cibeles

Desde el pasado 29 de septiembre se puede visitar en CentroCentro Cibeles un proyecto del arquitecto y artista italiano, Matteo Mariotti. Bajo el nombre ‘Un plan sencillo’ se presenta una intervención que plantea un viaje de ida y vuelta del espacio al papel. El proyecto, que se podrá ver hasta el 29 de enero de 2017, está compuesto de una instalación a modo de marco conceptual y una serie de dibujos del proceso de creación del mismo. Una idea que nace del propósito de investigar la arquitectura del Palacio de Cibeles por medio de un plano secante.     ‘Un plan sencillo’ supone también un ejercicio de geometría real por el cual Mariotti materializa el largo proceso de medición del edificio y su construcción geométrica en una línea azul. Línea que se presenta dibujada sobre cada uno de los elementos arquitectónicos de la entrada y las plantas del edificio. El recuerdo del rastro que deja una inundación, una masa de agua llenando un palacio inclinado es evocado por dicha línea. La exposición se compone de …

Vivian Maier, la niñera convertida en Fotógrafa

Recorremos las salas de los museos, de las galerias, de los espacios expositivos buscando discursos elaborados, con contenido, que nos hagan reflexionar o, al menos, que nos despierten algún sentimiento. El arte por el arte ya no es suficiente, tiene que tener algo más, esconder algo más. Sin embargo, a día de hoy sigue habiendo artistas que sobreviven a esta postura. Artistas de todas las generaciones que con su trabajo no presentan discursos, opiniones, reivindicaciones, sino simplemente imágenes. Una expresión visual, un documento. Ejemplo de esto es la hoy reconocida fotógrafa Vivian Maier (Nueva York, 1926 – Chicago, 2009). La niñera que en menos de una década desde su muerte se ha convertido en una de las figuras más reconocidas del mundo de la fotografía. Con más de 2.000 rollos de película sin revelar, 5.000 fotografías impresas y más de 120.000 negativos pasó su vida entre Nueva York y Chicago trabajando como niñera y creciendo como fotógrafa. Su obra, recuperada como si de un antojo del azar se tratase por John Maloof, recoge la cotidianeidad …

Apropiaciones artísticas de Fernando Bellver en Tabacalera

En los años ochenta el arte estuvo compuesto por diversas tendencias con un denominador común: superar los límites impuestos por la austeridad teórica de los últimos episodios de la modernidad y recuperar la imagen en sí y su potencial narrativo. De las diversas tendencias que podemos encontrar son dos las que tuvieron una notable importancia: la neo-expresionista y la apropiacionista. El término apropiacionismo surgió con la artista Sherrie Levine, quien se apropiaba, valga la redundancia, de obras de arte de otros autores y las volvía a realizar, en ocasiones cambiando de material o añadiendo algún matiz, y en otros casos reproduciéndola con exactitud. El apropiacionismo llegó a convertirse en una corriente artística bajo la cual trabajaba un variado grupo de creadores conocidos como la Pictura Generation. Si hoy en día siguiéra existiendo un grupo definido de artistas apropiacionistas encontraríamos entre sus nombres al artista Fernando Bellver (Madrid, 1954), Premio Nacional de Gráfica 2008. La sala Principal de Tabacalera. Promoción del Arte le dedica en estos días una retrospectiva al artista madrileño que permanecerá abierta hasta …

Julia Margaret Cameron

La invención de la fotografía fue anunciada oficialmente en 1839 por Louis Daguerre (1787-1851) en Francia y por William Henry Fox Talbot (1800-1877) en Inglaterra. En 1852, el South Kensington Museum se convirtió en el primer museo del mundo en coleccionar fotografías. Cuando Julia Margaret Cameron empezó en la fotografía, ésta ya se había establecido como una profesión viable y los miembros de sociedades fotográficas amateur exponían e intercambiaban obras e ideas. Es decir, que al enfocar y dar con algo que a mis ojos resultaba bello me cnformaba, sin pararme a ajustar la lente en busca de esa nitidez en el enfoque que tanto persiguieron los demás fotógrafos. Julia Margaret Cameron, 1874. En diciembre de 1863, a los 48 años, Julia Margaret Cameron recibió un regalo de su hija y su yerno que le cambiaría la vida: una cámara y las palabras: «Quizá te divierta, Madre, intentar hacer fotografías durante tu soledad en Freshwater». Solo un mes después, Cameron, realizó lo que se ha considerado como su primer éxito: Annie, un retrato de la …