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Las ausentes. Estefanía Martín Sáenz

A finales del siglo XIV surge el movimiento intelectual conocido como la Querelle des femmes, con el que algunos escritores discutieron la valía de las mujeres, si podían ser consideradas entre otras cosas plenamente humanas y, por tanto, qué educación debían recibir. Ante ello salió al paso Christine de Pizan con su libro “La ciudad de las damas” (1945) en el que escribió planteamientos como: “Me propuse decidir, en conciencia, si el testimonio reunido por tantos varones podría estar equivocado”.  Hoy en día, 75 años después de dicha publicación, siguen apareciendo obras literarias, artísticas, cinematográficas y de toda índole, en las que mucha mujeres se preguntan si el discurso marcado hasta ahora por los hombres podría estar equivocado. Sigue siendo necesaria esta revisión. Una de las artistas que desde su propio imaginario y planteamiento hace esta reflexión en su obra es Estefanía Martín Sáenz (1982). “Intento que mi obra (…) hable de mujeres fuertes que nos hicieron creer que eran débiles, de brujas que no son más que mujeres con poder y “demasiado” preparadas, de …

Njideka Akunyili Crosby

“Al leer la pintura, quiero que te preguntes ¿qué está pasando?” Njideka Akunyili Crosby Una acción que deberíamos realizar con todas las obras que nos crucemos y que en esta ocasión explica una de las reacciones que la artista Njideka Akunyili Crosby busca levantar en los espectadores de su obra. Njideka Akunyili Crosby es una artista visual de origen nigeriano residente en Los Ángeles cuya obra plantea una reflexión sobre las identidades híbridas, empezando por la suya. Su trabajo es un reflejo en primera persona de la diáspora nigeriana contemporánea, en el que combina objetos y símbolos de los dos mundos que han compuesto su vida: Nigeria y Estados Unidos. A los 16 años de edad, Njideka viajó a Estados Unidos junto a su hermana para estudiar. Arte fue una de las asignaturas que escogió, pero por entonces solo le interesaba porque le permitía aligerar la carga académica del curso. Lo que en sus inicios era una vía de escape, terminó siendo para la artista una urgencia y una necesidad. A través de sus pinturas, …

Dora Kallmus

Dora Kallmus, más conocida como Madame D’Ora, es considerada la primera fotógrafa de moda de principios del siglo XX en París. En un momento en el que ver una mujer detrás de una cámara era casi (o sin casi) una herejía social, Kallmus se abrió paso con su propio estudio de fotografía, que abrió junto a Arthur Benda, en el que se especializó en retrato y moda. Benda-D’Ora Estudio era el nombre del lugar que desde 1907 vio pasar a celebridades de la talla de Josephine Baker, Tamara de Lempicka, Alban Berg, Arthur Schnitzler o Colette entre otros muchos. El éxito del negocio fue tal que en 1924 abrían sede en la capital francesa. La pasión por la fotografía vivía en Dora Kallmus desde que era niña. Se crió en una familia de abogados judíos y llegó a ser la primera mujer admitida en el Instituto de Formación Gráfica de Viena. En 1905 pasó a formar parte de la Sociedad Fotográfica de Viena, sin embargo, no fue hasta la década de los treinta cuando su …

Las mujeres de Andrea Torres Balaguer

Hace unos días me crucé con la obra de Andrea Torres Balaguer. Las composiciones sencillas, los colores intensos, el misterio en torno a las figuras… en general sus últimas fotografías (las series “The unknown” y “Moon”) me llamaron especialmente la atención. Mujeres con diferentes vestimentas, recogidos y cortes de pelo se muestran ante el espectador con la cara tapada, bien por la posición de la figura o bien por una pincelada contundente y de trazo grueso que les oculta el rostro. Las figuras parecen habitar un espacio y un tiempo indeterminado. En casi ninguna obra hay un detalle que pueda decirnos algo más de la persona que estamos contemplando, el único recurso como espectadores es dejar volar la imaginación. “Mi trabajo está hecho de sueños, el surrealismo, el misterio y la idea de la historia de ruptura” explica Andrea sobre su trabajo. La artista barcelonesa empezó trabajando con la técnica de transcripción de los sueños y el surrealismo como grandes influencias de su trabajo, después empezó a explorar la creación de situaciones imaginarias basadas en …

Saul Leiter: “Yo aspiraba a no ser importante”

Viajemos un momento a los años 50 en Nueva York: el auge del expresionismo abstracto ya era evidente, Hollywood se convertía en la capital de la producción cinematográfica, en la prensa nacían nuevos medios como Los Angeles Times o The Washington Post, en 1951 la ONU establecía sus instituciones de manera permanente en la gran ciudad… En ese mismo año, con tan solo cinco viviendo en la ciudad y cuatro dedicándose a la fotografía, la revista Life publicaba una serie del fotógrafo Saul Leiter. Saul Leiter fue el hoy reconocido como precursor de la fotografía en color. Pintor y fotógrafo, nació en Pittsburgh (Pensilvania) en 1923, y llegó a Nueva York en 1946 con la intención de ser pintor. Sí, pintor, una faceta de su vida que para muchos ha pasado desapercibida. Leiter combinó durante toda su vida la fotografía y la pintura, y fue esta última disciplina la que más le apasionó en su trayectoria artística. Tanto fue así que no dejó de pintar un solo día hasta su muerte el 26 de noviembre …

Las tradiciones y lo cotidiano en la obra de Silvia Cosío

Hace un par de años me crucé por primera vez con la obra de Silvia Cosío. Concretamente con su pieza ‘Melancolía’, una pintura que habla de la tragedia humana desde un punto de vista complejo de la relación del hombre (y su ego) con los útiles y herramientas. Una obra que podría resumir formalmente la obra de Cosío, ya que en ella podemos hallar los puntos claves de su trabajo. “Dios está en los detalles” dicen que dijo Flaubert, Mies Van der Rohe y Aby Warburg. Palabras que recupera Silvia Cosío y traslada a sus cuadros, pero no de la misma forma que sus referentes. En sus obras, como en las pinturas barrocas o del siglo XIX, también aparecen calaveras, plumas, libros, serpientes, animales, etc., la diferencia está en el simbolismo que a estos objetos se les da. Para Cosío, todos estos elementos son un vínculo con la tradición y no elementos que esconden una simbología específica. Como ella misma dice: “Incorporar una serpiente a una composición significa un reto de reactivación de un valor …

Cecil Beaton: “La belleza es la palabra más importante del diccionario”

“La belleza es la palabra más importantes del diccionario. Es sinónimo de perfección, esfuerzo, verdad y bondad” decía normalmente Cecil Beaton, uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, reconocido por sus retratos y sus fotografías de guerra, además de por sus escenografías. Cecil Walter Hardy Beaton (14 enero 1904, Londres – 18 enero 1980, Salisbury) o como era conocido, Cecil Beaton fue un gran retratista del siglo XX, por cuyo objetivo pasaron grandes nombres del mundo del cine, la moda, la literatura, miembros de la aristocracia, grandes iconos de la cultura o la política, llegando a convertirse, con solo 30 años, en el retratista preferido del mundo de la moda, del arte y fotógrafo oficial de la familia Windsor. Inició estudios de Historia, Arte y Arquitectura en Cambridge, aunque nunca llegó a finalizarlos, lo que tampoco supuso un bache en su carrera. Su niñera ya le había iniciado en la fotografía unos años antes, y su madre y hermanas ya habían posado para él. No es de extrañar, que su primera fotografía publicada viera …

Rinko Kawauchi

En 2001 veían la luz tres publicaciones realizadas por la fotógrafa japonesa Rinko Kawauchi (1972, Prefectura de Shiga, Japón): Utatane, Hanabi y Hanako. Tres volúmenes que suponían el salto internacional de la artista en el mundo de la fotografía y que colocaban su nombre entre los más destacados del momento. Fue en 1997, mientras estudiaba en el Seian College of Art and Design, cuando Kawauchi empezó a mostrar un interés por la fotografía. Aunque sus primeros trabajos se encontraron en el campo de la publicidad, fueron estos tres libros los primeros proyectos reconocidos de la artista japonesa. Con más de 20 publicaciones a sus espaldas es actualmente considerada una de las fotógrafas más importantes de Japón. Su trabajo, realizado siempre con una Rolleiflex de formato 6×6, oscila entre el minimalismo y el preciosismo, abordando casi siempre temas autobiográficos en los que las escenas representadas muestran momentos íntimos de carácter cotidiano de su vida, así como pequeños ritos o tradiciones de su entorno doméstico. La mayoría de sus trabajos ven por primera vez la luz en …

Nicholas Nixon y el paso del tiempo

Más de doscientas fotografías recorren, hasta el 7 de enero, las dos salas expositivas de la sede Bárbara de Braganza de la Fundación Mapfre realizadas por Nicholas Nixon. Dos centenares de fotografías en las que se pueden ver varias de las series del fotógrafo Nicholas Nixon (Detroit, Míchigan, 1947): desde sus primeros trabajos como estudiante de fotografía en el que los angulos de las ciudades, las carreteras y paisajes atraían la atención de su objetivo, hasta la serie que ha ocupado toda su vida: Las hermanas Brown. La muestra está dividida en series muy diferentes entre sí, formato en el que siempre trabaja Nixon, todas ellas acompañadas de textos explicativos realizados por su comisario Carlos Gollonet, conservador de fotografía de Fundación Mapfre. Como dice Jeffrey Franekel “retrospectivamente, su obra está tan íntimamente entrelazada como las olas en las estela que un barco deja tras de sí”. El contraste entre lo privado y lo íntimo va evolucionando a través de su fotografía como lo hacen sus series en las que poco a poco se acerca de …

William Eggleston y el color

  En 1935 Agfa desarrollaba su película Agfacolor en Alemania al tiempo que Kodak presentaba su clásica Kodakchrome que tuvo su auge en la década de 1960. Fue en esos avanzados años 30 cuando la fotografía en color se convirtió en un fenómeno de masas. Una fotografía asociada por entonces a lo comercial y a los aficionados, mientras que la fotografía en blanco y negro era el medio de reflejar la realidad, y por ende, de hacer arte. A mediados del siglo XX la fotografía en color capturaba la falsedad de las cosas y emociones. Era rechazada por los grandes artistas y utilizada principalmente en el campo publicitario. William Eggleston (1939, Memphis, Tenessee) seguido de las corrientes que se estaban desarrollando comenzó trabajando con la fotografía monocromática. Por entonces eran destacadas las figuras de Ansel Adams o Edward Weston. Y en esa primera etapa Eggleston demostraba tener unas inquietudes diferentes a las marcadas por lo considerado común: “Las fotografías de gente como Adams no me interesaban. Y lo que llamábamos fotoperiosimo, las fotos que se …

Vivian Maier, la niñera convertida en Fotógrafa

Recorremos las salas de los museos, de las galerias, de los espacios expositivos buscando discursos elaborados, con contenido, que nos hagan reflexionar o, al menos, que nos despierten algún sentimiento. El arte por el arte ya no es suficiente, tiene que tener algo más, esconder algo más. Sin embargo, a día de hoy sigue habiendo artistas que sobreviven a esta postura. Artistas de todas las generaciones que con su trabajo no presentan discursos, opiniones, reivindicaciones, sino simplemente imágenes. Una expresión visual, un documento. Ejemplo de esto es la hoy reconocida fotógrafa Vivian Maier (Nueva York, 1926 – Chicago, 2009). La niñera que en menos de una década desde su muerte se ha convertido en una de las figuras más reconocidas del mundo de la fotografía. Con más de 2.000 rollos de película sin revelar, 5.000 fotografías impresas y más de 120.000 negativos pasó su vida entre Nueva York y Chicago trabajando como niñera y creciendo como fotógrafa. Su obra, recuperada como si de un antojo del azar se tratase por John Maloof, recoge la cotidianeidad …

Julia Margaret Cameron

La invención de la fotografía fue anunciada oficialmente en 1839 por Louis Daguerre (1787-1851) en Francia y por William Henry Fox Talbot (1800-1877) en Inglaterra. En 1852, el South Kensington Museum se convirtió en el primer museo del mundo en coleccionar fotografías. Cuando Julia Margaret Cameron empezó en la fotografía, ésta ya se había establecido como una profesión viable y los miembros de sociedades fotográficas amateur exponían e intercambiaban obras e ideas. Es decir, que al enfocar y dar con algo que a mis ojos resultaba bello me cnformaba, sin pararme a ajustar la lente en busca de esa nitidez en el enfoque que tanto persiguieron los demás fotógrafos. Julia Margaret Cameron, 1874. En diciembre de 1863, a los 48 años, Julia Margaret Cameron recibió un regalo de su hija y su yerno que le cambiaría la vida: una cámara y las palabras: «Quizá te divierta, Madre, intentar hacer fotografías durante tu soledad en Freshwater». Solo un mes después, Cameron, realizó lo que se ha considerado como su primer éxito: Annie, un retrato de la …

Sara Ramo

Sara Ramo, quien está actualmente participando en la muestra de Jugada a 3 Bandas, dentro de la galería Paula Alonso bajo el proyecto de comisariado de Bruno Leitão, es la artista madrileña creadora de la obra Antes, Después, Ahora.  Dicha obra se puede describir, a grandes rasgos, como tres fotografías que reflejan un mismo interior en diferentes momentos o estados. En ellas lo más llamativo es ese juego entre el caos y el orden, o como podemos leer en la explicación de la exposición “el caos organizado que acontece en los procesos creativos”. Caos organizado en el que los objetos cotidianos adquieren un papel protagonista, en el que el contraste de texturas y formas da lugar a una composición rítmica, a una armonía inesperada. Caos organizado que más que aturdirnos, nos atrae, nos acerca a realizar paralelismos inconscientes con nuestras experiencias y vivencias, pues en realidad nuestro día a día no es más que un caos organizado. Hemos recogido algunas ideas que ella misma explicó para El Cultural y que explican muy bien su trabajo. –Creo que …

Mar Solís

Mar Solis, la escultora madrileña nació en 1967. Se licenció en Bellas Artes con la especialidad de Escultura en la Universidad Complutense de Madrid. Su obra le llevará a ser una de las mejores representantes de la escultura renovadora contemporánea. En sus primeras esculturas apreciamos ya ese acercamiento al mundo de la abstracción que define sus piezas. En su obra se encontraba entre los dos caminos, la tradición y la búsqueda de formas propias de su época. Artistas como Martín Chirino, Oteiza, Chillida o Eva Loonz, influirán sin duda en el desarrollo de ésta, con la que pone de manifiesto intenciones renovadas. Muchas veces reutiliza un mismo tema, sin embargo, éste siempre aparece reinventado gracias a esos pequeños matices y variaciones con los que juega constantemente. Se tratan de esculturas donde la representación es tanto la forma del mundo , como la consecuencia de pensarlo. Encontramos dos caminos de expresión, por un lado los materiales, la madera, el acero, el aluminio y el papel, y por otro las emociones. Éstas siempre reflejarán un realismo, mientras que la …

Irene Cruz

La fotógrafa Irene Cruz, quien desde pequeña estuvo ligada a una cámara fotográfica, nació en 1987 en Madrid. Tuvo su formación en la fotografía publicitaria, seguida de un máster del EFTI “Conceptual Photography and Artistic Creation“. En este último momento de su formación realizó un viaje a Berlín, en el que se inició su verdadera carrera como artista fotográfica. Fue en Berlín donde encontró esa inspiración, esa chispa, en los diferentes espacios, en la luz. Esa luz tamizada y tenue que permite esos colores fríos, azules, grises, es lo que conectó directamente con una parte de sí misma, con su yo interior. Para Irene la fotografía “es mi razón de vivir, mi camino, mi carrera”.   En sus naturalezas encontramos un lenguaje acerca del paisaje emocional. Paisajes, en los que quiere explorar “los límites entre el paisaje y la naturaleza” y a los que llega planteándose un tema, acerca del cual se documenta literariamente e investiga, tras ello busca los lugares en su imaginario y dibuja los bocetos. Todo sigue un guión, aunque siempre deja un espacio …